...la volta di marte...

American Beauty

2007-09-10T00:01:00.000Z

Usa. 1999. Commedia. "2h o1.

Regia: Sam Mendes
Cast: Kevin Spacey, Annette Bening, Thora Birch, Wes Bentley, Mena SUvari, Chris Cooper, Peter Gallagher...
Produzione: Dreamworks

La bellezza. In ogni cosa.
Quella busta. O semplicemente la voce di Spacey , o ancora la sua espressione così rassicurante. Non so precisamente perchè American Beauty sia uno dei film che più mi ha lasciato un senso di vuoto.

E' complicato descrivere qualcosa di molto bello, ti sembra sempre di rovinarla o di dare un'impressione negativa o poco esauriente. Non mi va sinceramente di dare una spiegazione tecnica di questo film, non ne sono capace. Assolutamente.
Ma è importante capire che le inquadrature ti tolgono la parola, i colori, su tutti il rosso, sono protagonisti in un modo ossessivo, la descrizione di questa disperata vita americana toglie un pò le forze. E quando Lester apre bocca, vorreste che non smettesse mai di parlare, di raccontare e di spiegarvi come va veramente la vita, cosa si deve inseguire, in che modo, come lasciarsi dietro tutto quello che non serve, che rende morti.
Tutto intorno rimane calmo, sopito, come quei viali alberati, il vento, i quartieri residenziali; tutto immobile mentre una famiglia si sfalda e prende coscienza di quello che non è mai diventata e che forse, dentro, avrebbe voluto.
Fulcro e impianto del film, manco a dirlo, Kevin Spacey, che aggiunge uno splendore inarrivabile a questo film.

Incredibile.

La verginità. Il fallimento. I valori. La calma. Gli impulsi. L'ordine. La follia. La perfezione. Mille elementi assieme. Mille sensazioni nel vedere questo film.
Tanto di cappello a Sam Mandes (alla prima prova cinematografica), che ha tra l'altro una discreta esperienza teatrale, e utilizza delle inquadrature che offrono una percezione dello spazio un pò diversa dal solito, coinvolgendo attore e situazione, dando una sensazione di totalità alla scena.
American Beauty è claustrofobico, irritante a tratti, senza fine, senza via d'uscita, quasi il contrario di "America Oggi" di Altman che offriva comunque un'ancora di salvezza, una piccola speranza. Al contrario qui invece quasi si sottolinea l'impossibilità di poter cambiare la propria vita o più semplicemente viene esasperato il senso del tempo, che per qualcuno va troppo veloce.

Importante, anzi fondamentale parlare della colonna sonora che fa storia a se dentro queste meravigliose due ore; Thomas Newman compone al pianoforte il tema principale di tutto il film e questo vi assicuro, può bastare. Indescrivibile il pezzo ormai famosissimo della busta trasportata dal vento.

Quello che rimane alla fine è che tutto è diverso da quello che succede a Lester -forse-. Noi abbiamo una via d'uscita, è giusto però che in American Beauty questa non ci fosse.

Perfetto.

Uno su Due

2007-03-24T03:00:00.000Z

Italia, 2006, Drammatico, 100min.
Cast: Fabio Volo, Anita Caprioli, Ninetto Davoli, Giuseppe Battiston, Tresy Taddei, Agostina Belli, Paolo Rota, Francesco Crescimone, Pino Calabrese
Regia: Eugenio Cappuccio

Fabio Volo mi tiene sveglio, appassionato, malinconico, sorridente; tutto quello che voglio quando vado al cinema.

Non sarò obiettivo, vi avverto, Volo mi risolleva le emozioni nei suoi film,ma soprattutto risolleva il gusto italiano che cola a picco con le varie commedie sexyfintoadolescenzialinatalizie, quindi state per leggere una recensione positiva.

Il dubbio.

Per tutto il film.

La vita, la propria compagna, un malore, la dignità e l'orgoglio di un uomo che forse non ha mai guardato oltre il proprio naso rappresentano il grande dubbio ma soprattuto le grandi frustrazioni del mondo odierno dove nessuno forse è più capace di godere delle proprie cose appassionatamente e nel modo più razionale.
Uno su due è la triste statistica medica di chi contrae tumori benigni o maligni e da questo Eugenio Cappuccio (Volevo solo dormirle addosso) prende spunto e costruisce la vita di un avvocato che cavalca il -quasi- successo e viene improvvisamente ridimensionato da un male che lo atterra, gli annebbia la vista e lo spedisce in ospedale in attesa di una prognosi che sembra non arrivare mai. Qui Lorenzo (Volo) conosce un altro uomo che gli aprirà gli occhi verso cose che prima non avrebbe mai considerato.
Volo, manco a dirlo continua a recitare splendidamente, se non si cade mai sul patetico è soprattutto grazie a lui, ed è appoggiato dal grande Ninetto Davoli (che tra l'altro qui, mi hanno fatto notare dopo, sembra Michele Placido) quasi irriconoscibile per la recitazione e il viso. E poi la donna a cui non riesco proprio a rimproverare poca grazia espressiva, Anita Caprioli, che al posto delle battute ci mette quell'espressione lì ogni volta; va bene così insomma.
Sullo sfondo, Genova, meravigliosa, a dire il vero in uno squarcio ben definito, quello del porto e del suo tramonto intenso.
Ciò che probabilmente mi ha colpito di più è la sceneggiatura, così fluida e scorrevole nei dialoghi e nello sviluppo di tutta la storia.

Tutto un pò surreale in alcuni tratti, Lorenzo è un personaggio molto forte, quasi scomodo, in contrasto con gli amici e tutti quelli che lo circondano, forse dotati di un'umanità di plastica che rende il rapporto un pò spigoloso.
Bella pellicola, bella descrizione del classico 40enne moderno, a tratti troppo impegnato, a tratti insensibile, che si risveglia dal coma soltanto quando è la natura a richiamarlo in maniera decisa alle emozioni e forse alle vere cose che riescono a tenerci vivi e commossi allo stesso tempo.

impariamo a fare tante cose nel mondo che non possiamo credere che esso poi possa sopravvivere alla nostra assenza.

Saturno Contro

2007-03-10T05:06:00.000Z

Italia 2006 Colore, Drammatico.

Cast: Stefano Accorsi, Margherita Buy, Pierfrancesco Favino, Luca Argentero, Ambra Angiolini, Serra Yilmaz, Ennio Fantastichini, Isabella Ferrari, Filippo Timi, Michelangelo Tommaso, Milena Vukotic, Luigi Diberti, Lunetta Savino.
Regia: Ferzan Ozpetek.

Ozpetek è come Accorsi o la Mezzogiorno: Isterico.

Saturno Contro tuttavia non soffre ecessivamente della presenza di Accorsi e della sua innata capacità di far venire l'ansia dopo i primi 5 minuti di recitazione; quanto di eccessiva presunzione da parte di Ferzan che analizza la solita storia di un gruppo di amici dal suo solito punto di vista a mio avviso troppo pulito, troppo borghese.

Il gruppo analizzato dall'interno, come il bellissimo Fate Ignoranti, ma con eccessivo respiro probabilmente al cospetto del grande tema del dolore e della separazione. Maestria sulla scelta del cast a partire dai soliti Favino e Margherita Buy (compresa Ambra Angiolini che vi assicuro, dice veramente la sua) e maestria nelle riprese morbide, nella fotografia e nei tempi morti che danno profondità e attesa al punto giusto. Uno scheletro debole è invece la grande pecca di questa pellicola; inconcludente forse e privo di forza il tema principale, analizzato senza punti di vista e prese di posizione, lascia un pò l'amaro in bocca. Tutto troppo buono, troppo finto borghese, si perde proprio in una finzione che ormai sta proprio nel mondo "segreto e nascosto" di Ozpetek.
E nell'analisi dell'omosessualità sta francamente una grossa caduta di stile; il dramma di un padre che dinnanzi alla morte del figlio gay- quasi idealmente- lo perdona per non essere mai stato come un figlio "vero". Potrei avere inteso male, ma mi è sembrato un volere impietosire a tutti i costi lo spettatore.
E Lorenzo, pacato e gentile ma perennemente con Saturno contro, poco prima di andarsene pensa: «Non voglio sorprese, voglio che tutto rimanga come adesso, con i nostri amici, per sempre». Costante ricerca della normalità, troppo vuota, troppo debole; come il titolo d'altronde, che sinceramente non regge e non spiega la vera storia del gruppo di amici colpito improvvisamente dalla disgrazia.

E' ora che Ozpetek racconti un altro mondo.

Ai titoli di coda vi lascia un pò interdetti, e in ogni caso non posso sconsigliarlo. Bisogna guardare tutto. O quasi tutto. Fatevi un'idea, date un'occhiata.

post scriptum-per piacere, nessuno osi pensare lontanamente ad una sottile denuncia sulle coppie di fatto.Ozpetek non ne aveva intenzione e se per caso gli è passato per la testa, questo non è sicuramente il film giusto per fare politica spicciola.

RIAPERTURA

2007-03-04T02:44:00.001Z

beh...non l'ho mai chiuso però tra poco rinizio a postare qualche recensione dai...

Million Dollar Baby

2005-09-21T14:21:00.000Z

U.S.A., 2004, Drammatico
Cast: Clint Eastwood, Hilary Swank, Morgan Freeman, Jay Baruchel
Produzione: Malpaso Productions, Albert S. Ruddy Productions, Lakeshore Entertainment
Regia: Clint Eastwood

Capita davvero raramente di vedere un film sulla boxe e mettersi a piangere. Capita quasi mai di notare quanto Clint Eastwood sia sempre più vecchio e ancor più meraviglioso. Potrei stare ore a descrivere ogni singolo respiro di questo grande, storico attore, che varrebbe da solo la visione del film; ma proverò senza patetismi a spiegare con quanto classicismo e maestria Eastwood racconta questa struggente storia di rivincite sulla vita, di rimpianti e occasioni mai trovate. Punto.

Luce. Buio. Interni. Eastwood gioca su tre elementi chiave e costruisce due ore di intensità pura vecchio stile, ultimo esempio di cinema andato, che si avvale di presenze importanti come, in questo caso, Morgan Freeman, un uomo che in ambienti così tanto intimi ci sta perfettamente. In questo gioco di ombre in una Los Angeles atemporale, sporca e molto lontana dall’immaginario collettivo, si delinea la storia di Frankie Dunn (interpretato dallo stesso regista), vecchio manager e allenatore di boxe, che col vecchio amico Scrapt (Freeman), anch’egli ex-pugile, manda avanti una palestra. Dunn è un uomo introverso, scorbutico pieno di rimorsi per via del pugilato e per una famiglia che con gli anni si è sfasciata; la sua vita tuttavia verrà sconvolta dall’arrivo di Maggie (Hilary Swank), giovane trentenne con la passione per la boxe e una determinatezza che la porteranno, grazie a Dunn, ai vertici del pugilato mondiale. Le interpretazioni dei tre protagonisti si intrecciano e si sciolgono l’una all’altra perfettamente, portando lo spettatore lentamente ad una conoscenza profonda ed intima delle loro vite.

Eastwood è grande, classico, pungente e ancora “leoniano” per certi versi -“Il primo errore è che mi hai fatto una domanda, il secondo è che me ne hai fatto un’altra…”- nelle frasi, negli sguardi che tradiscono un’esperienza troppo profonda e in alcuni sconclusionati dialoghi col grande Freeman.
E poi Hilary Swank che -a parte il fisico impressionante- interpreta a perfezione la giovane Maggie, le dona la vitalità e la disperazione richiesti tenendo testa alla forza scenica di Eastwood ed incastrandosi con fermezza nella trama. Manco a dirlo Morgan Freeman non sgarra di un millimetro regalando persino la voice-over a tutto il film (scelta anch’essa scontata ma stilisticamente bellissima a parer mio).
Il regista sceglie di curare in maniera maniacale le personalità di ogni singolo personaggio; questa rappresenta una tra le tante interessanti scelte che portano ad una più larga veduta e aprono la strada a tematiche più complesse e che vanno oltre il semplice racconto di una vita dedicata alla boxe; Eastwood sfiora il tema dell’eutanasia, probabilmente in maniera del tutto consapevole, così come il tormentato problema religioso, offrendo a Frankie la soluzione di ogni cosa soltanto all’interno della propria coscienza. La religione non è una giusta via d’uscita quanto la coscienza di un uomo che trova la propria salvezza nelle sue mani e nelle sue scelte; Frankie ha avuto a che fare con queste cose per tutta la vita e il regista preme molto su questo aspetto e sulla disperazione che ne deriva, il che diviene quasi un punto cardine del film.

La messa in scena è eccellente e allo stesso tempo, passatemi il termine, convenzionale nella scelta dei chiaro scuri, di una fotografia del tutto limpida e di una costruzione che se vogliamo ha poco di innovativo (mi ripeto, l’utilizzo della voice-over) ma nel complesso rappresenta quello che di più genuino può offrire Hollywood negli ultimi tempi. Ultima nota, la splendida colonna sonora curata manco a dirlo dallo stesso Clint. Sia chiaro, non aspettatevi grandi conquiste e sequenze degne del peggior filmaccio filo-americano; gli eroi cinematografici, come ha detto qualcuno, ci sono già stati e Eastwood lo sa. Gran film, immenso Eastwood.

Batman Begins

2005-08-12T05:00:00.000Z

U.S.A., 2005, Azione
Cast: Christian Bale, Michael Caine, Liam Neeson, Morgan Freeman, Gary Oldman, Ken Watanabe, Katie Holmes, Cillian Murphy, Tom Wilkinson, Rutger Hauer
Produzione: Warner Bros., Di Bonaventura Pictures
Regia: Christopher Nolan

Ben lungi dalla trasposizione eccelsa di Burton, Nolan confeziona il quinto Batman sapientemente e una spanna sopra il primo pipistrello kitch ed eccessivamente barocco di Joel Shumacher (che pure non mi è mai dispiaciuto) e l’orripilante seguito (Batman & Robin) che francamente poteva anche non essere mai girato.
Christian Bale viene doppiato da cani ma risulta uno dei migliori Bruce Wayne per conformazione ed espressività in una Gotham che non è l’affascinante e gotica città Burtoniana che abbiamo tanto amato, ma appare sicuramente più reale, frenetica, meno introversa e sicuramente meno fumettistica di quella creata da Schumacher.
Se il Batman che tutti si aspettano deve essere decadente, pauroso e un pizzico dark, stavolta Nolan compie un passo in avanti rispetto al predecessore, creando una storia che incuriosisce e colpisce per la buona sceneggiatura (David Goyer) che si discosta dal solito, monotono Batman e sorprende anche grazie all’utilizzo ripetuto di accurate riprese in soggettiva e semi-soggettiva che aumentano la frenesia dell’azione e la fluidità di alcune scene (alcuni combattimenti sono praticamente “invisibili”!).

Mi chiedo se il vero Batman cinematografico resti quello di Tim Burton e la risposta alla fine è la stessa; nonostante gli sforzi e l’apprezzabile lavoro di Nolan, il capolavoro resta il primo episodio, denso di oscurità, introspezione e quel tocco inconfondibile che hanno reso il regista un mago di storie visionarie e fantascientifiche. Comunque lo sforzo è notevole e il pipistrello questa volta affascina molto di più degli infelici episodi precedenti; non sto qui a lodare uno dei miei attori preferiti quale è Bale, che avrebbe vestito perfettamente anche la tuta del primo Batman, e non sto nemmeno a dirvi quanto ritengo deliziosa Katie Holmes che, non sfora nemmeno di un po’ nella sua piccola parte e risulta mai invadente nel corso della storia; è invece importante analizzare le sfumature umane e psicologiche del nuovo personaggio costruito all’interno del super eroe. Tutta la storia si costruisce intorno alle fobie, all’uomo e alle sue paure e Batman non è più molto distante dai comuni mortali, anzi riflette perfettamente i sintomi del nostro millennio e le battaglie a cui la mente umana si sottopone quotidianamente.

Nolan, che, con Memento ha dimostrato di saperci fare parecchio con le distorsioni mentali delinea ogni personaggio con cura e costruisce i dialoghi –tranne qualche sbavatura direi “scontata”- in maniera impeccabile tanto da reggere senza problemi la trama e rendere ogni situazione pregnante e piena di spunti. E l’interpretazione di Bale copre un ruolo fondamentale senza rischiare mai di diventare la solita caricatura dell’uomo pipistrello, vestendo i panni di un eroe terreno, pieno di paure, sin dal principio, quando, molti anni dopo la morte dei genitori, in preda allo sconforto e ai sensi di colpa si trova a vagabondare fino ad un carcere dell’Himalaia dove conosce il suo futuro maestro, Ducard (Liam Neeson) che lo condurrà dal grande Ra’s Al Ghul; qui Bruce Wayne imparerà l’arte Ninja attraverso una dottrina che insegna a distruggere le proprie fobie e una filosofia che studia le menti criminali. Rientrato a Gotham, Bruce farà sua la dottrina della paura e utilizzerà per la lotta alla violenza, una figura che ha sempre odiato e di cui ha avuto terrore sin da bambino: il pipistrello.

Nolan compie un gran lavoro e costruisce un film sicuramente piacevole ma soprattutto dona linfa vitale ad una saga che ormai non aveva più nulla da dire e anzi era andata fin troppo in basso.

L'uomo senza sonno

2005-08-02T02:17:00.000Z

Spagna, 2004, Thriller, 102'
Cast: Christian Bale, Jennifer Jason Leigh, Aitana Sánchez-Gijón, John Sharian, Michael Ironside
Produzione: Julio Fernández
Regia: Brad Anderson

Risulta quasi scontato dire che l'interpretazione di Christian Bale letteralmente impressiona ed è il punto di forza di un film e di un'idea che meglio non potevano essere sviluppati. Asfissiante la trama, sporche e avvolgenti le ambientazioni cosi come l'eccellente fotografia che accentua ancor di più i solchi nel viso di Trevor, segnato dall'insonnia, dal lavoro massacrante e da gli spettri che torturano continuamente la sua vita. Tecnicamente e visivamente impeccabile viene aiutato da una sceneggiatura che ciondola tra realtà e schizofrenia e che ricorda più volte quanto la mente possa venire modificata e l'uomo rinchiuso dentro le proprie fobie. Bale dimagrisce di ben 30 chili e scompare completamente nel personaggio, fino a dar quasi fastidio per i movimenti lenti, una rassegnazione al suo stato di deperimento e le parole strascicate che sembrano rivelare verità da un momento all'altro.

Brad Anderson (già in "Session9") cura moltissimo le ambientazioni che ricordano molto le foreste umide e desolate del Canada e soprattuto i dialoghi e la scelta dei personaggi, allucinati quanto tutto il film. Trevor combatte contro quello che lo circonda, la fabbrica che cade a pezzi, le sue paure, il sonno che non arriva. Ritmo lento, denso di spazi, silenzi, corpi che vengono analizzati fino all'ansia; e questi elementi vengono gestiti con decisione in modo quasi legato, che non vuole esplodere fino alla fine. Fine che probabilmente non vi stupirà completamente. Comunque una trama intelligente che non scade nel solito tentativo di generare incomprensione e mettere troppa carne al fuoco per niente.

Le interpretazioni restano comunque il gioiello di questa pellicola; Christian Bale interpreta perfettamente Trevor, che non riesce a dormire da un anno, si allontana sempre di più dalla società che vede sempre più aliena, viene allontanato dai colleghi che lo vedono sempre più estraneo e ipnotico e sempre più consapevole di quale è realmente il male che distrugge la sua mente e il suo fisico. E tutto scorre verso un finale denso e inesorabile dove la disperazione di Trevor comunica la più grande inquietudine.

Anderson comunque gioca molto sugli spazi, sulle luci, e le frasi sussurrate (non sempre all'altezza in verità). Malsano e intenso The Machinist (complimenti al solito cambio titolo) va gustato con attenzione.

The Terminal

2005-06-21T04:08:00.000Z

U.S.A., 2004, Drammatico/Commedia,
Cast: Tom Hanks, Catherine Zeta-Jones, Stanley Tucci, Chi McBride, Diego Luna, Barry "Shabaka" Henley, Kumar Pallana, Zoe Saldana, Eddie Jones, Jude Ciccolella
Produzione: Laurie MacDonald, Walter F. Parkes, Steven Spielberg
Regia: Steven Spielberg

Dopo giorni di protesta e sciopero della mia scheda audio finalmente il silenzio sparisce e posso riprendere a guardare qualche film. Sicuro di esservi mancato dunque affitto The Terminal, mio malgrado, visto che Spielberg proprio non l'ho mai digerito, aiutato dalla presenza di uno degli attori che al contrario amo di più, Tom Hanks. Una commedia che sterza sul lato più drammatico e di "protesta" nel dipingere l'America come il solito paese ben istituzionalizzato e che al di sopra dell'uomo pone sempre e comunque una qualche norma. Viktor Navorsky vive e ci fa provare un incubo, che si trasforma presto in routine quotidiana, rimanendo intrappolato in uno degli aeroporti più grandi del mondo, il JFK ; infatti giunto a New York, Viktor apprende che nel suo paese d'origine, la Krakhosia, è in corso un colpo di stato, che rende lui e tutti i suoi cittadini momentaneamente apolidi. Vittima di una cosiddetta falla burocratica Viktor non può uscire dall'aeroporto e non può, chiaramente, nemmeno rientrare a casa, e anzichè perdersi d'animo, riesce a costruirsi un mondo tutto suo, conoscere gran parte del personale del Terminal (così si chiama l'enorme sala d'aspetto dove Viktor è rinchiuso), e resistere al tempo che vola via senza soluzione. A complicare le cose, il funzionario Frank Dixon (Stanley Tucci) che, in attesa di una importante promozione che lo porterà a gestire l'intero corpo di polizia del Terminal, cercherà in ogni modo di sbarazzarsi di Viktor, cosa che significherebbe farlo fuggire e di conseguenza farlo arrestare dalla polizia newyorkese.

Le indiscutibili capacità tecniche e scenografiche di Spielberg gli permettono di gestire uno spazio ristretto quale è un aeroporto in maniera impeccabile, senza sbavature in nessuna inquadratura ed una pulizia (solita delle pellicole del regista) che si sposa perfettamente con questo tipo di ambientazione brillante. Uno studio attento del personaggio di Viktor e più di una frecciata ai danni del restrittivo (o dovrei dire pessimo?) governo Americano che cerca di massificare le personalità degli uomini con regole assurde; Spielberg sforna comunque una storia interessante, piacevole da seguire e riesce, con rischio altissimo per un film simile, ad evitare (quasi) sempre scene povere e banali. Costruisce un qualcosa che ha a che fare con molte delle sue opere collocando il protagonista in uno spazio che ha un non so che di perduto, desolato (Jurassic Park), un non-luogo come qualcuno lo ha definito, uno spazio che crea ansia e che per sua stessa natura concentra l'attenzione sull'apprensione dei personaggi; Shindler's List può essere un esempio tanto lontano quanto particolare di questa situazione. Una denuncia al trattamento degli stranieri da parte del governo USA e una forte messa in luce di numerosissime contraddizioni burocratiche che arrivano ad avere tolleranza per gli animali e trascurare gli esseri umani (capirete a cosa mi riferisco).

Oltre all' ovvia abilità registica è necessario dare una buona fetta di merito a Tom Hanks, protagonista indiscusso di questa pellicola per forza espressiva e resa in una parte che sincramente ho trovato particolarmente complicata; come al solito Hanks non delude e fa vivere Viktor intensamente dentro lo spettatore per forza d'animo e personalità insolita. Una sensazione di solitudine e disperazione fortissima persiste durante la permanenza di Viktor in aeroporto; sensazioni sapientemente smorzate da numerose scene divertenti che dipingono Viktor in maniera assolutamente goffa. Ma il film viaggia verso altre direzioni e Viktor continuamente ci ricorda che aspetta e che la vita è fatta di gente in costante aspettativa e apprensione. Così come la bellissima hostess (Katherine Zeta-Jones) di cui Viktor quasi si innamora e che passa per l'aeroporto almeno due volte al mese, alla ricerca di qualcosa che non riesce ad inseguire. La dolce storia che i due vivono non deve ingannare per quanto riguarda gli intenti del film; tutto volge ad una precisa soluzione e verità assoluta che è quella dell'attesa. Il mondo occidentale, consumista, veloce, eccessivo, ossessionante, quasi alienante, che si confronta con mentalità diametralmente opposte caratteristiche dell'oriente, che fanno della calma la loro virtù, della ricchezza d'animo e della semplicità la loro piena validità.

Spielberg mette in luce aspetti validissimi e che gli stanno molto a cuore in una buona pellicola che però ci ricorda sempre più insistentemente quanto il regista abbia perso ormai la voglia di confrontarsi e cimentarsi in opere ben più impegnative quanto lo erano state le precedenti. Una commedia che comunque fa riflettere. Da vedere sicuramente.

Tre metri sopra il cielo

2005-06-18T06:23:00.000Z

Italia, 2003, Sentimentale/Drammatico, 101'
Cast: Riccardo Scamurcio, Katy Luoise Sounders, Mauro Meconi, Maria Chiara Augenti
Produzione: Riccardo Tozzi, Giovanni Stabilini, Marco Chimenz
Regia: Luca Lucini

Babi e Step, 18 e 19 anni, figli di papà entrambi, ma vite opposte, lei studentessa modello, lui mezzo delinquente che vive tra gare clandestine in moto e piccoli furti, si incontrano per caso e per caso si innamorano. Il succo della prima opera cinematografica di Lucini ("L'uomo perfetto") sta qui, nel raccontarci il primo amore e la complicata vita di due adolescenti che fanno il loro ingresso nel mondo e nei suoi problemi.

Partiamo da un assunto fondamentale: questo film è proprio brutto e, cosa assurda per un bravo pubblicitario come Lucini, è mal fatto. Era da tempo che non mi capitava tra le mani un'opera così prolissa ed insensata ed è già un miracolo che sia riuscito a finire di vederlo tutto; si, perchè mi aspettavo uno spunto, qualche sorpresa, qualcosa che giustificasse un tale obrobrio. "Tre metri sopra il cielo" è un concentrato di mediocrità registica e povertà di contenuti; a partire dalla voce fuori campo che oltre ad essere estremamente irritante sfodera frasi degne di un diario di seconda media. Katy Louise Sanders (Babi) non recita ma fa la parte della bambolina, Scamarcio, manco a dirlo è un talento sprecato e per dirne una degli altri personaggi, i genitori di lei sembrano due perfetti imbecilli tanto stanno fuori dalla storia.

La storia non ha continuità, annoia per la banalità disarmante e i protagonisti sono totalmente estranei alle parti; inoltre Lucini, pur essendo tecnicamente parecchio capace, utilizza dei flashback che dovrebbero rendere più fluida la storia ma che risultano inspiegabili e fastidiosi. Ho ben pochi argomenti a riguardo se non appoggiare le tesi che lo definiscono un prodotto totalmente commerciale; dal punto di vista della costruzione che soffre inevitabilmente dell'esperienza pubblicitaria del regista, e della colonna sonora terribile(come si fa ad usare Tiziano Ferro?). Inspiegabili le scelte di Scamarcio che sinceramente, potrebbe pensarci due volte prima di accettare parti simili. Se amate il genere adolescenziale cercate altrove, in Italia abbiamo Muccino che è un maestro. Lasciate perdere questo film.

Kung Fu Hustle - Gong Fu

2005-06-07T04:28:00.000Z

Cina, Hong Kong, 2004, Azione, Commedia, 95'
Cast: Stephen Chow, Wah Yuen, Qiu Yuen, Leung Siu Lung, Shengyi Huang, Kwok Kuen Chan, Chi Chung Lam, Dong Zhi Hua, Chiu Chi Ling, Xing Yu, Xiaogang Feng
Produzione: Columbia Pictures Film Production Asia
Regia: Stephen Chow

A distanza di alcuni anni dal successo indiscusso di Shaolin Soccer esce nelle sale Kung Fu Hustle, titolo sapientemente storpiato in Kung Fusion (confusion? mah.....) dal mercato Europeo. Premetto subito che i direttori del doppiaggio andrebbero presi e appesi per la figura meschina che l'Italia rischia di fare (se non l'ha già fatta col precedente) dinnanzi a obrobri simili; se nel precedente film di Chow si trovavano schifezze in romanesco qui le voci sono affidate ad altri dialetti che per niente rendono giustizia ad un gran film, anzi gli conferiscono scarsissimo spessore e provano a coprirlo di ridicolo. Pienamente d'accordo con la difficoltà di conferire a tali personaggi quasi fumettistici una voce degna delle parti, ma qui davvero si esagera e lo spettatore facilmente perderà - per questa mancanza di professionalità nostrana - alcuni particolari che rendono questo film fantastico e consacrano Stephen Chow regista visionario dal gusto magistrale quale dimostra di essere. Ma se riuscirete ad andare oltre lo scempio delle voci (vi consiglio caldamente come il collega dott.Kekkoz di procurarvi la versione in Inglese o quella in Cantonese con i sottotitoli), e ad analizzare ogni singola scena, ogni più piccola inquadratura e primo piano scoprirete quanto Chow e Tarantino si stringano la mano.

La produzione (la Columbia!) mette i fondi a disposizione e il regista libera tutta la sua creatività a partire dalla coreografia a cura del mitico Youen Wo Ping (già coreografo di "Matrix", "Kill Bill" e "La Tigre e il Dragone") e le scelte dei personaggi compiute in maniera minuziosa e attenta; il padrone di casa Yuen Wah (grande antagonista e controfigura di Bruce Lee), la moglie Yuen Qiu (Bond Girl in "L'uomo dalla pistola d'oro"), Yuen Wah ("Dalla Cina con Furore"). Un cast eccezionale per un risultato che non poteva essere che eccelso. Elementi apparentemente già masticati, ma poche volte in questo modo, in una coesione di momenti e di sequenze che lasciano letteralmente col fiato sospeso; ho apprezzato totalmente le sequenze dei combattimenti, elastiche, fluide ed efficacemente visionarie che sembrano voler esplodere da un momento all'altro nel più feroce dei finali Tarantiniani. E in primo piano una comicità pura che non lascia respiro; che si mixa nel migliore dei modi agli altri elementi distintivi del film.

Trama semplice semplice così come era stato per "Shaolin Soccer", con vari stereotipi ripresi saggiamente da Chow, come la rivincita del debole sul più forte, la contrapposizione bene/male (grande la scena dove il padrone di casa fa volteggiare i maestri-suonatori sul terreno disegnando un Tao!), l'essenziale storia d'amore che si costruisce sullo sfondo e le ambientazioni ridotte all'osso. Nella Hong-Kong prerivoluzionaria due ladroni, Stella (Chow) e il suo amico ciccione, cercano di entrare nella "Gang delle Asce" (ricordate "La banda degli 88" in Kill Bill?L'accostamento dei nomi col film di Tarantino è significativo) che controlla con la forza tutta la città, credendo che la vita da "cattivo" sia l'unico modo per conquistare donne e successo. Ma i due amici si rivelano incapaci e imbranati e nel tentativo di assaltare un quartiere povero e abbandonato chiamato "Il quartiere dei Porci" riescono a scatenare l'ira di alcuni maestri di Kung-Fu ivi nascosti per celare la propria identità a tutti; durante il combattimento tre di questi fanno fuori metà della gang. Da quel momento il quartiere verrà preso di mira e il capo delle Asce cercherà ogni modo per distruggere i suoi abitanti e sconfiggere i maestri; ma questi strani personaggi reagiscono fino all'arrivo della più grande minaccia, un maestro di Kung-Fu considerato il prescelto e ritiratosi solo per mancanza di sfidanti. Stella che in un primo momento riuscirà a far parte della Gang, in seguito si renderà conto della sua vera natura; il vero prescelto è lui e il bene sta dall'altra parte. Non sto qui a raccontarvi il finale, fin troppo ovvio. Chow trova spazio anche per momenti di grande intensità nella storia tra la ragazza gelataia muta e il nostro eroe, chiusi in lunghissimi e spirituali sguardi, e il lecca-lecca (da cartone animato!) come elemento ricorrente nel film, che ricorda quando Stella cercò, ancora bimbo, di salvarla da una gang di monelli.

Il tutto procede in un turbine di magnifiche idee ed inquadrature che a volte fanno venire i brividi, almeno ad un amante del genere; una su tutte la scena dell'inseguimento stile Coyote e Roadrunner dove Stella usa il coltello infilzato sulla spalla come specchieto: eccelsa! E poi i personaggi e la loro comicità. Chow è un grande comico, e costruisce un film che è una parodia delle grandi pellicole sul Kung-Fu, arricchendo il tutto con una particolare attenzione ai particolari che non può non colpire cosi come interventi e dialoghi che fanno letteralmente sbellicare dalle risate e tengono lo spettatore incollato alla poltrona. Sarebbe stupido e insignificante definirlo banale e amorfo non badando alla serie di rifiniture maniacali curate dal regista che si dimostra in gran sintonia col cast amalgamando le scene alla perfezione; e sfruttando la sua grande ed ormai consolidata (e riconosciuta!) conoscenza cinematografica, dimostrando una maestria degna di nota nelle riprese e nelle inquadrature in soggettiva. Per un amante di Son Goku tutto questo è fantastico. Purtroppo, ribadisco, il doppiaggio fa letteralmente schifo e se questo era un tentativo di rendere il film più simpatico, allora c'è qualcuno che di cinema davvero non capisce una fava; ed è un peccato perchè secondo me abbiamo doppiatori tra i migliori al mondo. Chow supera se stesso in ogni caso e nonostante tutto; sicuramente il suo miglior film.

Santa Maradona

2005-06-05T23:45:00.000Z

Italia, 2001, Commedia
Cast: Stefano Accorsi, Anita Caprioli, Mandala Tayde, Libero De Rienzo
Regia: Marco Ponti

Passo interi periodi a rivedere pellicole già viste, quasi a cercare elementi nuovi che mi possano coinvolgere o sorprendere maggiormente; Santa Maradona l'avrò visto si e no 4 volte e sinceramente non sono ancora stanco. Marco Ponti costruisce una riuscitissima commedia che ha la sua forza nei dialoghi, lunghissimi, surreali, divertenti, schizofrenici, angoscianti; tutti elementi che ricordano il miglior Moretti. Un'analisi quasi maniacale dei due protagonisti, Andrea e Bart, immersi nelle atmosfere notturne di una splendida Torino che si trovano a fare i conti con la "solita" sindrome di Peter Pan. Facilissimo perdersi nella banale storia dei più disparati problemi esistenziali e dell'insoddisfazione che coplisce gli uomini "nuovi", trentenni in cerca di una vera identità, ancorati in verità all'adolescenza, ancora incantati dai primi amori; Ponti condisce però il tutto con grande maestria e il film è divertente, piacevole e sicuramente meglio riuscito del secondo lavoro "Andata/Ritorno". La storia la fanno Stefano Accorsi, forse ripetitivo in questi ruoli affannati ed energici, e il grande Libero De Rienzo, che è tutto, tranne che una spalla di Accorsi; una vera rivelazione.

Respiriamo tutto il sapore della vita dei due giovani impegnati a realizzare i propri sogni e a cercare un posto che gli si addica nel mondo, senza scendere mai a compromessi, affrontando ogni situazione con una dose sconfinata di ironia e schiettezza. Così passano i giorni Andrea e Bart, cercando i soldi per pagare l'affitto, tra colloqui di lavoro che inevitabilmente sfumano e finte collaborazioni per quotidiani; giornate passate a far nulla in sostanza, con un titolo di studio in mano e la speranza che qualcosa si concretizzi da un momento all'altro. E questo accade ad Andrea che casualmente incontra Dolores (Anita Caprioli) e se ne innamora; Dolores è bellissima, stupidotta, passionale, timida ma Andrea quasi si risveglia dal torpore di tutti i gioni e la storia con Dolores sarà il pretesto per iniziare qualcosa di nuovo, e per cambiare tutto quello che non piace della propria vita. Il film resta comunque un'analisi sulla vita confusa condita da dialoghi geniali il più delle volte non-sense tra De Rienzo che nemmeno sembra recitare tanto è spontaneo e Accorsi che a parer mio non è per niente sopravvalutato; e sullo sfondo Torino, a cui Ponti regala una fotografia davvero degna di nota, e le musiche dei Motel Connection che nelle lunghe sequenze cittadine fanno venire i brividi. Accostato più volte e messo in ombra da "L'ultimo bacio", Santa Maradona risulta a parer mio più brillante e canicolare del film di Muccino ma soprattutto le atmosfere e alcuni artifizi stilistici utilizzati dall'esordiente regista rendono la storia più affascinante. "qual'è il suo più grande pregio?"-"la sincerità", "e il suo più grande difetto?"-"la sincerità", "quali sono i suoi progetti per il futuro?"-"la sincerità". Guardatelo.

Saw - L'enigmista

2005-05-28T05:15:00.000Z

U.S.A., 2004, Thriller/Horror, 100'
Cast: Cary Elwes, Danny Glover, Monica Potter, Michael Emerson, Tobin Bell, Ken Leung, Makenzie Vega, Shawnee Smith, Benito Martinez, Dina Meyer, Leigh Whannell
Produzione: Mark Burg, Gregg Hoffman, Oren Koules
Regia: James Wan

Dovrò stabilire prima o poi quanto cambia un parere dato a caldo da uno pensato e ben ponderato; se davvero contano le prime impressioni e quanto queste valgono. "Saw" è una grande occasione sprecata e sinceramente la prima impressione non mi lascia certo dormire tranquillo. L'opera prima di James Wan, giovane regista australiano con alle spalle solo alcune pre-produzioni da piccolo schermo, denuncia inesperienza e una gran dose d'ingenuità soprattutto per quanto riguarda la sceneggiatura, che a malapena sta in piedi e le interpretazioni che in alcuni punti sono davvero scandalose.

Intendiamoci, il film non è da buttare, ma paga purtroppo la poca esperienza di Wan e del suo giovanissimo collaboratore-sceneggiatore Leigh Whannell; troppi debiti con tutto il cinema psycho-thriller degli ultimi anni e con lo splatter degli '80, arrivando persino a Romero. Una partenza a dir poco fulminante e claustrofobica lascia appiccicati allo schermo; ma la sensazione è che si proceda a tentativi, buttando al fuoco tutto quello che si conosce. E allora via per una storia "logicamente" intricata (che comunque si lascia seguire), attorno ai due personaggi che si svegliano improvvisamente in un bagno lurido (che ricorda molto quello scozzese di Trainspotting!), con alle caviglie una catena e al centro della stanza, disteso in una pozza di sangue, un cadavere. "Tutto al posto giusto" iniziavo a pensare, ma sta proprio qui il problema; questo film l'hanno già fatto! "The Cube" e le sue atmosfere, "Seven" e il grande intreccio, Tarantino che rimodella lo splatter a sua immagine e somiglianza, le maschere di Craven. Non riesco a trovare un elemento nuovo ed entusiasmante e la storia non mi lascia di stucco quanto mi aveva lasciato il primo "cubo". Elementi nuovi, situazioni confuse, colpi di scena, frasi ad effetto: "bella scoperta!" starete pensando. Eppure mi convinco sempre di più che confezionare buoni thriller sia un'impresa tra le più complesse per il cinema attuale.

"L'enigmista" non convince per elementi usati alla nausea negli ultimi tempi e i pochi spunti validi non vengono sfruttati in maniera adeguata; l'azione non sale mai in maniera vertiginosa e sono proprio rare le volte in cui si ha davvero paura. La storia che ruota intorno a dei "non-omicidi", due poliziotti che si rovinano la carriera per risolvere il caso, un seghetto ("Saw" significa sega), una maschera, sangue, molto sangue, budella e tutta roba già vista; messa insieme comunque con buona sensibilità e allucinazione in alcuni punti, costruita -purtroppo- debolmente in altri. E poi...gli attori...si potrebbe pure andare oltre quest'aspetto, ma io sinceramente non me la sento e "devo" stroncare i due protagonisti, il Dott. Gordon (Cary Elwes) e il giovane Adam (Leigh Whannell), che recitano davvero con i piedi una parte che altri avrebbero perfezionato dieci volte tanto. Ci sono dei momenti totalmente privi di espressività e alcune sequenze un pochino ridicole (una su tutta la finta scarica elettrica!). Forse la più grande pecca del film. Mi ha convinto poco inoltre l'uso delle luci e la fotografia in alcuni punti troppo pulita per atmosfere così squallide e martellanti; le sequenze madri all'interno del bagno non danno l'effetto sperato ma tuttavia risultano quelle meglio riuscite. L'idea iniziale degli indizi e gli oggetti nascosti mi ha ricordato molto Fasco, un programmatore Giapponese che ha messo le sue stanze "senza uscita" sulla rete: opprimente.

Un parere forse troppo spigoloso per un film che comunque si può vedere e in alcune parti riesce pure a divertire. Badate: ben lontano dai maestri del genere, ben lontano dal fare realmente paura.

Aspettiamo il già annunciato sequel.

Blow

2005-05-24T07:31:00.000Z

Usa, 2001, Drammatico, 124'
Cast: Johnny Depp, Penélope Cruz, Jordi Mollà, Ray Liotta, Franka Potente, Monet Mazur.
Produzione: Ted Demme, Denis Leary, Joel Stillerman
Regia: Ted Demme

Dopo l'ennesima visione ho deciso, completamente innamorato, di scrivere due righe su questo film uscito ben 4 anni fa. Suggestivo. Completo. Pieno. Non so cosa precisamente riesce a comunicarti un film che racconta la storia di uno dei più grandi narcotrafficanti degli anni '70 (nonchè uno dei 'Gringos' preferiti dal potente Pablo Escobar), ma arrivato ai titoli di coda quello che resta è molta amarezza. George Jung (Jhonny Deep), quasi un eroe buono, disilluso da un infanzia senza buone prospettive, coraggioso, e sinceramente poco propenso a spaccarsi la schiena si trasferisce, diciottenne, in California e inizia a spacciare marijuana; il passaggio alla cocaina è però breve e Jung lo percorre senza troppo pensare e con un'amoralità che non lascia perplessi solo perchè la sua storia risulta mai melodrammatica, al contrario ironica la maggior parte delle volte.

Boston George (così venne chiamato) vede soldi, successo, donne, ed è quello che insieme ad Escobar presenta la cocaina all'America a metà dei settanta; ma le cose non vanno chiaramente benissimo per il giovane Jung che viene incastrato e arrestato per ben tre volte e l'ultima condannato all'ergastolo (uscirà di prigione nel 2015).

Ted Temme ("Beautiful Girl", "Life", scomparso nel 2002) racconta in maniera eccellente la storia di quest'uomo strano, quasi avido a volte, ingoiato da tutti gli elementi che caratterizzarono il sogno americano di quegli anni, il desiderio sfrenato di onnipotenza e denaro su tutti; la vita di Jung va verso la più totale catastrofe e tutto è quasi annunciato dall'ingenuità e il buon cuore del personaggio che lo rendono sicuramente affascinante agli occhi dello spettatore. Vivrà momenti di gloria assoluta e intoccabilità in pieno contrasto con la tragedia e lo sconforto per la morte dell'amata Barbara e quando verrà arrestato per l'ultima volta perdendo ogni speranza di rivedere Christine Sunshine Young, sua amatissima figlia.

Una biografia senza nessuna pretesa socio-politica, che probabilmente al contrario mette molta ansia e fa pensare tanto (davvero inquietante la foto del vero Jung che chiude il film); Jhonny Deep regala la faccia del bravo ragazzo che non ha paura di nulla e l'interpretazione della Cruz risulta a volte fastidiosa ed esagerata; ma tutto è tenuto in buon equilibrio e l'attenzione non viene mai distolta dal protagonista. Da sottolineare la buonissima interpretazione di Ray Liotta nel ruolo del padre di George. Grandi atmosfere e grande fotografia che rende giustizia agli anni di Woodstock e agli anni successivi in cui tutto era kitch; visivamente, uno come me non può che restare affascinato. Temme costruisce una trama che mai annoia e scorre senza nessun calo di tono, grazie anche e soprattutto al valore indiscusso di Depp che dentro quei parrucconi ci sta perfettamente. E sento di dover aggiungere un punto in più per la colonna sonora superba e suggestiva che parte con gli Stones ("can't you hear me knockin") passa attraverso Dylan e trova il culmine nei titoli di coda con una grandissima Nikka Costa ("Push and Pull"). "Blow" fa parte di quei film che guarderei sempre, anche perchè ho ormai stabilito che amo spassionatamente i film lunghi! A parte tutto davvero un film coinvolgente, intenso e interessante. Lo consiglio senza alcuna riserva.

Quando sei nato non puoi più nasconderti

2005-05-20T02:42:00.000Z

Italia, Regno Unito, Francia, 2005, Drammatico, 115'
Cast: Alessio Boni, Michela Cescon, Rodolfo Corsato, Matteo Gadola, Andrea Tidona, Adriana Asti
Produzione: Cattleya, Rai Cinema, Once You Are Born Films, Babe
Regia: Marco Tullio Giordana

Il film di Giordana è un buon film. Lo dico con coscienza dopo una nemmeno lunga serie di riflessioni sui possibili intenti del regista de “La meglio Gioventù” (che, mea culpa, non ho avuto ancora modo di vedere); per l’idea, per la volontà e soprattutto il coraggio di prendersi delle responsabilità e raccontare all’Italia uno dei grandi problema di questi anni. Conoscere le intenzioni è fondamentale per capire un film come questo (tratto peraltro dal romanzo-inchiesta omonimo di Maria Pace Ottieri), che delinea il problema dell’immigrazione con una buona dose di (passatemi il termine) “deideologia”, nessun luogo comune e soprattutto visto dagli occhi vergini del dodicenne Sandro, figlio di un piccolo imprenditore Bresciano. Dunque leggo qualche intervista fatta a Giordana e noto con piacere che il regista balza oltre il paraocchi politico di questi anni e racconta quest’ultima opera con totale chiarezza prosciugandola dai falsi dogmi (se li vogliamo definire tali) televisivi e facili slogan di partiti. Effettivamente, come dargli torto? Il mondo andrebbe vissuto con molta più attenzione per il particolare; tutto è più avvincente se analizzato minuziosamente e le storie singole sono più importanti di tutta la robaccia che ci viene tirata addosso in malomodo piena di immagini e frasi fatte.

Il piccolo Sandro affronta un mondo tutto nuovo, diverso dal suo ed è disarmante la freschezza interpretativa del giovane attore Matteo Gadola. Durante una gita in barca nell’Egeo in compagnia del padre (Alessio Boni) e del suo amico Popi, giovani ricchi Bresciani un po’ spocchiosi un po’ sbruffoni, Sandro cade in acqua e nessuno si accorge dell’accaduto tanto che il bambino verrà dato per annegato. Allo stremo delle forze però Sandro, viene avvistato da una barca di migranti clandestini e viene portato in salvo da Radu, ragazzo rumeno che “viaggia” in compagnia della piccola sorella Alina. Da quel momento il protagonista conoscerà un’altra realtà, affrontando dei momenti di pesante sconforto per le troppe domande alle quali un ragazzino di 12 anni non riesce a trovare risposta, sentendo sulla propria pelle la lontananza delle comodità di casa e la capacità di resistere e accontentarsi del nulla in situazioni che a volte sfiorano la pura sopravvivenza. Sandro è comunque un ragazzo forte, e resiste; resiste e osserva allibito e disorientato tutte quelle persone disposte a ogni sacrificio pur di cominciare una vita nuova lontana da casa. Il viaggio è stremante ma il ritorno a casa non placa le perplessità di Sandro che si affeziona a Radu e Alina tanto da chiedere al padre di poterli portare a Brescia con sé; Giordana da molta forza emotiva a questa parte dell’opera mettendo in risalto le indecisioni, il fastidio e l’intolleranza magari inconsapevole ma ben fissata nelle menti e frutto di paure reali e parecchio difficili da smaltire; è un momento significativo, quasi centrale nel film, per la reazione dei genitori, spaesati di fronte a questi timori costruiti apparentemente intorno al nulla. Direi che non si tratta di una denuncia, bensì di una riflessione forte sull’atteggiamento di un paese che non riesce ad aprirsi a sufficienza e probabilmente non consapevole di aver avuto 60 milioni di emigranti in tutto il ‘900 (come ricorda lo stesso Giordana). Non ci sono buoni o cattivi, dice il regista; tant’è che i due ragazzi rumeni ospiti della famiglia di Sandro ruberanno tutto e scapperanno e anche in questa occasione l’incredulità del piccolo protagonista fa da padrona, e comunica un senso di incompletezza come di forte contrasto tra la vita facile di un qualsiasi impreditore del Nord e quei ragazzi senza famiglia, costretti ad emigrare dal proprio paese, rubare e prostituirsi per sopravvivere anche nella nostra bellissima Italia. Parlavo di alcune scene molto forti, piene d’ansia; le urla di Sandro che cade in acqua, sono strazianti, i lunghi tempi di tutto il film lasciano spazio a molta attesa e apprensione e Giordana gestisce tutto questo malessere al meglio, utilizzando ambientazioni che mi hanno molto ricordato qualcosa di Castellitto (per le atmosfere cupe e dense e il senso di oppressione che il racconto suscita).

Ma oltre l’attesa qualcosa dovrà pur succedere…..e potrebbe essere appunto questa la grande pecca del film. La conclusione, a parer mio troppo aperta, povera forse di significato per l’intero svolgimento della storia, può lasciare insoddisfatti in quel momento del film in cui ci si aspetta davvero qualcosa di significativo; è difficile stabilire se la pellicola risulti davvero incompleta o semplicemente sospesa e volutamente indefinita. Giordana sarebbe potuto scivolare nella conclusione più comune ma decide di non essere scontato: sfodera un finale condito da buone speranze ma al contempo pieno di domande, così come se le sarebbe poste il piccolo Sandro misuratosi con la disillusione e col disequilibrio del mondo.

“Quando sei nato non puoi più nasconderti” (il titolo è un cognome africano) è in sostanza davvero un buon film, ben calibrato e lineare anche nei punti di maggiore tensione e Marco Tullio Giordana racconta una storia che non vuole dare risposte e schierarsi, ma semplicemente proporre un tema su cui riflettere. Un viaggio tra le continue contraddizioni della nostra epoca; l’analisi emozionale di un bambino che si scontra col suo benessere e con la voglia di restituire un favore a chi gli ha salvato la vita; ma soprattutto uno sguardo forte e “senza sociologismi” sulla situazione italiana nei confronti dei clandestini. In definitiva si solleveranno molte curiosità, molti dubbi e sicuramente molti dissensi su quest’opera ma, se i buoni intenti e le pure convinzioni possono rendere la visione più interessante, non posso evitare di promuovere Giordana: il suo film, ne è pieno.

Film su Cobain

2005-05-14T07:18:00.000Z

A quanto pare esce, dopo la prima proiezione a Cannes, il film su Cobain; autore del racconto delle ultime ore del cantante dei Nirvana morto suicida nel '94, Gus Van Sant, (da ricordare per "Elephant", film shock di qualche anno fa). A quanto pare il regista va parecchio d'accordo con le tragedie; cercando di descrivere il personaggio, Van Sant ha paragonato Cobain ad Amleto per il modo in cui vive lo scontro continuo tra il bene e il male. Protagonisti saranno Lukas Haas, Asia Argento e Kim Gordon. Il film è stato appunto presentato in occasione del Festival di Cannes numero cinquantotto e uscira' nei cinema di tutta Europa nel weekend. Aspetto impaziente e curioso di sapere se finalmente si finirà di speculare sopra la morte di Cobain a più di dieci anni dalla scomparsa; un film proprio non me l'aspettavo. Vediamo. Aspettiamo. Scriviamo.
(img:Koreus.com-fonte:buongiornomusic)

L'uomo perfetto

2005-05-14T06:45:00.000Z

Italia, Regno Unito, 2005, Commedia, 95'
Cast: Francesca Inaudi, Riccardo Scamarcio, Gabriella Pession, Giampaolo Morelli
Produzione: Cattleya, Perfect Man Films
Regia: Luca Lucini

Continuo a leggere in giro: “vado a vederlo perché Scamarcio è il mio uomo perfetto, bello e dannato”..”vado a vederlo per sognare ad occhi aperti”…e mi girano i cosiddetti!..mi girano sul serio perché tralasciando gli interventi e le vacue opinioni di tutte ste ragazzine che si ucciderebbero per l’attore di turno, sinceramente mi aspettavo, con Marco Ponti nei dintorni, un prodotto con una diversa intensità e più convinzione insomma. Ma qui non funziona nulla. La storia è davvero banale e fin qui pace; il punto è che neanche in una situazione così scontata Luca Lucini (“Tre metri sopra il cielo”) riesce a districarsi con mestiere. Il risultato è un film noioso, mal girato e con nessuno spunto abbastanza valido. Una lancia spezzata in favore del bel Scamarcio che si dimostra davvero promettente ma per il resto, buio. La trama vista e rivista in moltissimi film di serie-b d’oltre oceano non coinvolge nemmeno in un atmosfera più familiare e tra personaggi italiani, che “fanno” gli italiani a tutto tondo, artisti, sognatori, stupidi, disillusi, provinciali, coraggiosi; le solite cose trite e ritrite soprattutto in questo periodo di rinascita (almeno in giro si dice così!) della “commedia/sentimento/problemideigiovani” italiana. Tutti alla riscossa dunque, e anche Lucini ci riprova; ma dimenticatevi pure le atmosfere metropolitane e sporche di Santa Maradona e quella profondità quasi unica nel raccontare vite semplici e intrecciate in una Torino che suda con noi e ci acchiappa letteralmente per tutto il film.

Ne l’Uomo Perfetto manca continuità, prospettiva e i personaggi risultano vuoti, privi di una personalità decisa e a parte Scamarcio (sicuramente aiutato da un faccione da schiaffi!) niente e nessuno risalta. Tante pecche anche dal punto di vista tecnico; Lucini con fatica costruisce una storia che già dall’inizio si fa aspettare e non si conclude praticamente mai in validi cambi di ritmo che potrebbero suscitare un minimo di curiosità e sussulto nello spettatore. Lucia (Francesca Inaudi) è una giovane pubblicitaria in carriera che fin dall’infanzia si porta dietro l’amore soffocato per Paolo (Giampaolo Morelli). Presa dalla disperazione per l’imminente matrimonio di Paolo, Lucia ingaggerà Antonio (Riccardo Scamarcio), un giovane attore bello e squattrinato che dovrà far perdere la testa alla futura moglie nonché sua migliore amica e di conseguenza mandare a monte il rapporto. Ma nel lavoro di preparazione per trasformare Antonio nell’uomo perfetto per Maria (Gabriella Pession), Lucia si accorge di aver sbagliato qualcosa e…il finale lo si immagina praticamente subito. Davvero poco da aggiungere per questa pellicola, se non ribadire la buona impressione per il giovane Scamarcio, davvero espressivo e perfetto nella parte e sottolineare inoltre una colonna sonora davvero debole e di poco aiuto ad un film già di per sé privo di spunti.

Gioco di donna

2005-05-12T05:37:00.000Z

U.S.A., Regno Unito, Spagna, Canada, 2004, Drammatico/Romantico, 120'
Cast: Charlize Theron, Penélope Cruz, Stuart Townsend
Produzione: Michael Cowan, Bertil Ohlsson, Jonathan Olsberg, Jason Piette, André Rouleau, Maxime Rémillard
Regia: John Duigan

L’abitudine (o la poca scelta?) ormai mi spinge a cercare film di cui non so nulla o quasi. Dunque acquisto il mio biglietto e mi metto comodo, pronto a scene di “torbide passioni saffiche” tra le due bellezze di questo “Gioco di Donna”, Charlize Theron e Penelope Cruz ; tutto “in una Parigi anni ’30 che si prepara al secondo conflitto mondiale”. Questo, in sostanza, il succo del trailer visto pochi giorni prima. La Moviemax fa un bel lavoro a pubblicizzare in questo modo il film di John Duigan (Sirens, Flirting) e rifila all’Italia guardona e assetata di trasgressione e gossip un bel trailer in cui non si parla d’altro che della satura e spinta relazione di due donne fantastiche e sognatrici; beh, purtroppo il film è tut’altra cosa, a partire dal titolo, anche questo furbescamente cambiato dall’originale “Head in the Clouds” (Testa fra le nuvole), al curioso “Gioco di Donna”. Incompleto potrebbe essere la parola giusta ma anche a volte pretenzioso e troppo, ma davvero troppo, lento e pesante in molti punti. Prende foma con fatica nella mente dello spettatore questo scenario di inizio secolo di cui ormai si è trattato e ritrattato in molti lungometraggi; a tratti sembra di rivedere pezzi di “The Dreamers” di Bertolucci, ma il “maestro” ha sicuramente dimostrato più chiarezza e concretezza in una storia per molti versi simile. Più che intensa storia tra due donne il film ruota intorno ad un mènage a trois tra la bellissima Gilda (Charlize Theron), donna senza veri e importanti ideali e figlia di un ricco possidente franco-americano, Mia, scappata dalla guerra civile spagnola e ora infermiera, e Guy, giovane idealista irlandese che si divide tra le suoi forti convinzioni politiche e l’amore per Gilda. Guy conosce Gilda per caso all’università di Cambridge, se ne innamora e da quel punto in poi sullo sfondo dell’ascesa del nazi-fascismo in Europa, della seconda guerra mondiale e del D-day, si sviluppa la storia tra i due che andranno avanti nei problemi della guerra, le mille incomprensioni, i tanti amanti di Gilda, e le sue forti e controverse idee, come amante di passioni intense e numerose forme d’arte; in contrasto con gli ideali forti di Guy che ama la politica e cerca di combattere per la fine del conflitto, punto centrale della seconda parte del film. Tre anni dopo la loro conoscenza i due si ritrovano a Parigi a vivere insieme a Mia, giovane donna spagnola fuggita dalla guerra civile e pronta a ritornarci non appena sarà diventata infermiera, per un forte senso di dovere verso la patria; Guy e Mia dunque partono e la storia cambia quasi completamente, soprattuto nei toni, sicuramente più frenetici ed intensi. Ora tutto è più cupo e si respira molto più forte l’odore acre del secondo conflitto mondiale. Forse sta qui l’errore di Duigan; tanti elementi messi uno sopra l’altro purtroppo a mio avviso con poca coscienza e padronanza della storia e dei propri mezzi, troppa carne al fuoco tanto che la sostanza ne risente pesantemente. I personaggi sono tutti egocentrici, intensi, spirituali fino all’esasperazione e non si riesce a capire dove si voglia arrivare; nella prima parte ci vengono presentati nella loro stranezza e se vogliamo, grandezza, nella seconda parte invece la guerra, il loro rapporto con essa e il lato melodrammatico della storia che davvero ha poco a che fare con l’inzio. Esco sinceramente poco soddisfatto dalla sala, quasi deluso, per un groviglio di situazioni portate avanti in maniera davvero artificiosa e complicata. Penso subito che il trailer risulta quindi un acchiappa-spettatori; poca intensità anche in alcun scene che non rendono a sufficienza l’idea dell’intenso e complicato rapporto tra Gilda, Mia e Guy, e forse proprio questo aspetto andava approfondito meglio. Uniche note positive, una buona interpretazione della meravigliosa Theron e una fotografia e una sceneggiatura davvero di grande aiuto al film grazie all’esperto Paul Sarossy e a Jonathan Lee; di poco spessore invece la Cruz (dopo “Non ti muovere” per lei è molto dura!) e del giovane Townsend, davvero poco convincente e fin troppo bravo ragazzo per un ruolo simile. In sostanza un film di cui si può fare a meno per la descrizione storica che lascia al quanto a desiderare e per il ritmo davvero lento, privo di originalità e colpi di scena tanto che alla fine ci si continua a chiedere, “Ma dove si vuole arrivare?”.

La Febbre

2005-05-12T05:27:00.000Z

Italia, 2005, Commedia, 108'
Cast: Fabio Volo, Valeria Solarino, Vittorio Franceschi, Massimo Bagliani.
Produzione: Rai Cinema, Rodeo Drive
Regia: Alessandro D'alatri

Ancora una volta mi ritrovo in una sala pronto ad una pellicola di cui non ho sentito parlare; fiducioso, stavolta, della mia stima verso Fabio Volo che l’uomo di spettacolo lo sa fare, e “qualche volta”, anche sul grande schermo riesce bene. D’Alatri, di cui non avevo ancora visto nulla, mette in scena una storia semplice semplice che si trascina nelle atmosfere di una Cremona dal sapore “provinciale”. Fabio Volo colpisce per la sua immediatezza e veste perfettamente i panni del geometra trentenne Mario Bettini che coltiva un sogno e ha grandi aspettative di vita; aprire un locale con degli amici e vivere una vita felice potranno aiutarlo a crescere e andare oltre le scarse opportunità offerte da una piccola città. Da qui parte tutto, e da qui iniziano le domande di Mario: qual è la vera soddisfazione, qual è il vero obiettivo di un italiano trentenne che ha idee alternative e non pre-confezionate, è brillante e non riesce a limitare le proprie ambizioni al piccolo lavoro in comune che il padre gli ha fatto avere dopo 4 anni dalla sua scomparsa? Mario comunque è uno che si adatta e quasi col sorriso sulle labbra accetta di dividere la sua vita tra la normalità e la routine di un lavoro che può portare all’anonimato e la ricerca continua di nuovi stimoli e nuove esperienze; ma dovrà fare i conti con la burocrazia per il suo locale, con l’invidia dei più forti, con la madre che vorrebbe per lui una vita uguale a quella del marito defunto e con la scarsa fiducia degli amici che si tirano indietro all’ultimo. Mario sopporta. E incontra Linda (Valeria Solerino già in “Che ne sarà di noi”), la donna della sua vita. E affronta tutto quello che gli arriva addosso; e affronta soprattutto la “Febbre” di mediocrità che rischia di colpire un uomo come lui giunto ad un bivio nella vita. Si respira oppressione nei momenti di ubriachezza e sottomissione ma anche liberazione nei punti in cui il protagonista sceglie la vita semplice e piena di passione. La storia si segue con difficoltà perché si sta lì a fare il raffronto con la propria vita, con le proprie reazioni dinnanzi a situazioni molto simili a quelle vissute da tutti ogni giorno, ogni momento; quasi un eroe Mario, che alla fine sceglie di vivere il suo sogno a fondo. Si stringono i denti quando si è costretti ad abbandonare gli affetti e quando si è visti come alieni perché “i nostri pensieri profumano”, ma alla fine le urla di Mario verso una madre troppo opprimente sono liberatorie.Chi reagirebbe così? Contro l’invidia di tutti e della provincia, contro una società che preferisce vivere sugli allori e sulle comodità del suo tempo, e contro persone che oltre i vent’anni non sanno più vivere e non sanno rispondere con determinazione alle prevaricazioni di chi vorrebbe tutto uguale, tutto in ordine? Le domande si sprecano col passare dei minuti; e Volo risulta un eroe triste dunque,molto aiutato dalle musiche lente e malinconiche dei Negramaro che reggono tutta la soundtrack. Eroe triste ma soddisfatto. Ma purtroppo e per forza devo essere critico: dal punto di vista prettamente tecnico, D’Alatri cerca di dare una visone insolita di questa storia utilizzando pochi trucchi (veramente vaghi e ingiustificati!) e, ahimè, fa un mezzo disastro, soprattutto quando si cimenta in ricostruzioni di scene oriniche che ricordano un po’ troppo Fellini in 8e mezzo (nella nebbia Mario va incontro al padre morto) o espedienti (a dir poco inspiegabili) alla David Fincher come il caffè ripreso in soggettiva che esce dalla caffettiera. A parte queste pecche che mettono in evidenza le grandi ambizioni del regista rispetto alle sue reali capacità, il film non chiede tanto e anche nel suo lato più “sociale” riesce a fermarsi in tempo per non scadere nel classico e ormai di moda per un film simile, “politically correct”(D’Alatri vorrebbe urlare ai quattro venti che l’Italia fa schifo, ma la cosa viene soltanto sussurrata!). Isolandosi dal mondo si può evitare di prendere la febbre? In sostanza tutto finisce qui e la tranquillità forse viene dal fatto che almeno Mario, nella finzione, è riuscito ad evitare la Febbre. Andatelo a vedere. E cercate di non pensare troppo nel frattempo. Mario è la finzione. Mario è il coraggio. La vita è un’altra cosa. Almeno nel maggiore dei casi.

Manuale d'amore

2005-05-12T05:15:00.000Z

Italia.1 h 55', Commedia, 2005
con:Carlo Verdone, Luciana Littizzetto, Silvio Muccino, Sergio Rubini, Margherita Buy, Jasmine Trinca, Rodolfo Corsato, Anita Caprioli, Sabrina Impacciatore.
Produzione: De Laurentis
Regia: Giovanni Veronesi

Non amo particolarmente Giovanni Veronesi; e non amo particolarmente nemmeno quella che viene comunemente chiamata “commedia all’italiana”. Ma in questo caso esco dalla sala sorridente e decisamente soddisfatto; non era una commedia all’italiana! Veronesi ha la fortuna di lavorare con un cast di grandi nomi (tra tutti Sergio Rubini e Verdone) e in quattro episodi legati l’uno all’altro ci racconta l’amore scegliendo quasi dei punti cardine che caratterizzano questo secolare sentimento umano.Si inizia con l’Innamoramento dove troviamo il “solito” Silvio Muccino (che proprio non vuole saperne di uscire da ruoli che ormai rischiano di farlo sembrare un attore poco duttile) affiancato dalla bella Jasmine Trinca (già ne “la Stanza del Figlio”); la seconda storia parla della Crisi, con Margherita Buy e Sergio Rubini, davvero bravi e ancora una volta insieme, nei panni della coppia sull’orlo della separazione; il Tradimento è il terzo episodio, con la brillante Luciana Litizzetto che abbiamo imparato bene a conoscere in questi anni e infine l’Abbandono,quarto episodio e conclusione del film affidata ad un Verdone davvero in forma (un po’ ci mancava). Le quattro storie sono ben legate e la storia procede scorrevole ma soprattutto Veronesi non ha la pretesa di dare nessuna spiegazione o risposta ad un sentimento che è sicuramente il più difficile e incomprensibile dell’animo umano. E’ molto difficile non ritrovarsi almeno in una delle 4 situazioni; nella storia di Tommaso che si innamora perdutamente di Giulia e si intestardisce e quasi si ridicolizza per conquistarla riuscendo infine addirittura a sposarla; nella storia di Marco e Barbara che non trovano più stimoli per continuare il loro matrimonio e cercano disperatamente una soluzione estrema che potrebbe essere anche un figlio; o nella vita di Ornella che si illude di vivere una vita felice finché non scopre di venir tradita dal marito e inizia così a coltivare un odio profondo verso tutti gli uomini; o nell’ultimo racconto, forse il più triste forse il più nevrotico, di Goffredo, medico pediatra abbandonato dalla moglie e costretto a ricostruire una vita e una fibra interna più forte di quella avuta finora anche con l’aiuto di un audiobook trovato in libreria che si chiama –manco a dirlo- “manuale d’amore”. Ironia leggera, piccoli momenti di riflessione sulla vita “semplice” e su situazioni che stanno da sempre nell’immaginario più nascosto degli italiani che quasi –superficialmente e per una volta come da film- sognano di vivere momenti sconvolgenti e assolutamente romantici. Doveroso ricordare la presenza di Anita Caprioli nei panni di Livia, sorella di Tommaso e voce del manuale d’amore, quasi silenzioso punto di congiunzione tra inizio e fine della commedia, bellissima e, a parer mio, una delle giovani attrici più espressive del panorama italiano.Viene la sensazione che si tratti del solito film che parla di tutto e niente; ma questi film noi li sappiamo fare molto bene e manuale d’amore sinceramente non lascia l’amaro in bocca. Semplicemente racconta. E va bene così.

KILL BILL Volume 1

2005-05-12T05:03:00.000Z

U.S.A. 1h e 50', Azione/Commedia/Thriller, 2003
con: Uma Thurman, Lucy Liu, Samuel L. Jackson, David Carradine, Michael Madsen, Daryl Hannah.
Produzione: Lawrence Bender, Quentin Tarantino
Regia: Quentin Tarantino

Volume Uno. TARANTINO. Volume Due. Genio visionario? Mente profondamente alterata? Gusto per il macabro? Ancora. Canoni estetici fuori dal comune? Moderno? Post-moderno? Oltre i classici? Trash? Terribilmente kitch? Nutriamo forti dubbi che a qualcuno ancora possa importare una qualsiasi classificazione; il più delle volte il piacere viene danneggiato;piacere nel vedere teste e braccia mozzate?.….tutt’altro…….il “giovane” Tarantino cresce e da una lezione di cinema di eccelsa fattura; e per minuti interminabili si sta accovacciati impauriti nella poltroncina a chiedersi quanto questo regista può essere deviato mentalmente; ti sconvolge, no, ti distrugge…forse ti da una gioia incontenibile;e chi si dimentica l’immensa interpretazione della Thurman? Chi non coglie la violenza allo stato puro? La disperazione della giovane sposa gravida massacrata nel giorno del suo matrimonio dalla banda di donne killer di cui lei stessa faceva parte e mandata in coma da una pallottola piantata in testa dal suo capo e amante Bill? Chi non vive questa disperazione minuto per minuto? Cosa può esserci di più violento di una vendetta che si consuma lentamente dopo quattro anni di coma? Tarantino ci prende per mano (perché siamo effettivamente molto spaventati!) e ci guida attraverso uno scenario che attinge a piene mani dal più grande Sergio Leone (anche nelle musiche, assolutamente fantastiche ed appropriate), da vecchi film di Samurai e da un omaggio ai b-movies anni ’80 così trash e così “scontati”. Storia banale? Qualcuno ha provato a criticare anche quest’ ultima fatica del regista per inconsistenza, povertà di contenuti, sceneggiatura scarna: Balle! Tarantino sfrutta ciò che gli è più congeniale a partire da una Uma Thurman (devastante!) rispolverata e tirata a lucido per l’occasione; e i giochi spazio-temporali che si rifanno probabilmente al più vecchio stile del regista? Situazioni anticipate, poi riprese, lunghe digressioni a raccontare il passato dei personaggi. Assolutamente spiazzante! TUTTO è assolutamente spiazzante;coinvolgente;PULP;PULP;PULP!!!!!!!!! Quentin Tarantino fa il verso a tutti quelli che distorgono il naso dinnanzi a tutto questo sangue ritenendo un agglomerato di cinema sporco e confuso. Ma quale confuso? “Kill Bill” è saturo;e spoglio al contempo; e Tarantino fa il verso persino alla Matrix-mania utilizzando degli effetti speciali che vanno, a parer mio, ben oltre un mucchio di appariscenti esplosioni e (noiosi) effetti speciali che francamente a lungo andare stancano. Generi, stili forme fuse dentro la testa di questo genio completamente cosciente di sé, delle sue potenzialità ma soprattutto della sua strada; un regista che riesce a stampare sulle proprie creature tracce ben visibili di pezzi di cinema; e a riplasmarli,giocandoci (una satira assolutamente pungente circonda anche quest’ultimo capolavoro) con una maestria fuori dal comune! Tarantino gioca, si diverte (e si vede!), vive i propri film nella maniera più totale; e questa è davvero la prima cosa che traspare. E s’intravede l’ombra di Sergio Leone (mi ripeto) nello stile talmente lontano quanto simile al grande “regista del West”; Tarantino è quasi un maestro nel cucirsi addosso “vecchie cose” e a renderle dannatamente attuali. E quasi si perde in contraddizioni evidenti che subito ribalta, sfiorando l’eccesso in alcune scene di combattimento centrali mentre ci si chiede in continuazione dove abbia imparato tale maestria registica; cambio di pellicola,passaggio dal bianco al nero, un’intera sequenza in completo stile cartoon-pulp che mette i brividi, situazioni di calma assoluta che si capovolgono nel giro di attimi; personaggi macabri e psicopatici (ricordate il portavaligie in Four Rooms?) come lo stesso Bill (che non viene inquadrato una volta una!), ambientazioni assolutamente contrastanti che vanno da abitazioni in completo stile trash a una chiesa nel deserto, da un ospedale alla E.R. a un negozietto nella periferia di Hong Kong;azzarderei quasi un accostamento alla Pop Art in alcune ambientazioni post-moderne; occhio al decòr, ai colori pastello delle porte e della tappezzeria, e' tutto assolutamente magnifico..e Tarantino riprende se stesso ricordando ciò che più piace al suo (immenso) pubblico e accennando agli sproloqui che tanto avevano caratterizzato Pulp Fiction;verrebbe quasi da dire che tutto questo è troppo; dal vedere un film così si esce pazzi;se si pensa che questo regista ha apportato dei cambiamenti sostanziali non di poco conto nelle 3 versioni del film: Orientale-Violentissima, Europea-Soft, Americana-Bacchettona!!! E saremo invogliati a rimanere altre due ore dentro il cinema per vedere la fine di questo delirio mai troppo lungo, pazzi…o assolutamente consapevoli di aver visto il riassunto dell’opera di Tarantino; riassunto-innovazione! Riesce sempre e comunque a stupire,e lo ha fatto anche stavolta; ben oltre “Le Iene”, più maturo di “Jackie Brown”, più spontaneo di “Pulp Fiction”, “Kill Bill Volume I” risulta essere un perfetto cross-over cinematografico; Tarantino ha preso la strada che lo porterà ben presto alla perfezione se non ci è ancora arrivato.

in pricipio fu..

2005-05-12T02:37:00.000Z

inizio ad aggiornare questa sorta di cineblog con alcune vecchie righe scritte tempo fa.